L’essence de l’humain est étroitement mêlée avec les sentiments, les pensées et les désirs secrets. Les mots, bien qu’ils soient un moyen formidable de partager nos pensées, tombe souvent court pour parler de nos paysages intérieurs. Dans cet espace, l’art de la narration visuelle s’impose. Elle exploite l’influence des symboles et des allégories pour créer une expérience qui dépasse la simple expression verbale. À travers l’utilisation d’images iconiques et d’environnements allégoriques, autrices, auteurs, créateurs sondent les complexités thématiques de leurs propos afin d’atteindre autrement le lecteur/spectateur.
Dans les mains d’un maître tel que Raoul Ruiz, par exemple, le symbolisme transforme le banal en un vaisseau de signification. Imaginons une rose : au-delà de ses pétales et de son parfum, elle incarne l’amour, la ferveur, ou une beauté transitoire.
Lorsqu’ils sont dessinés avec art dans un récit, de tels symboles nous permettent d’entrevoir l’âme d’un personnage. Une douce lumière caresse une fleur qui fane : cette image se contente t-elle vraiment d’orner l’espace ? elle symbolise plutôt le déclin d’un personnage.
Cette imagerie ne se contente pas d’orner ; elle invite le lecteur/spectateur dans les tourments du personnage et lui permette de partager un espoir qui fane. Ce langage symbolique, voyez-vous, ne concerne pas uniquement les choses matérielles. Il s’étend également aux couleurs que nos yeux perçoivent. Imaginons une scène enveloppée de gris et de bleus atténués : n’évoque t-elle pas une certaine tristesse ? Et puis un éclat d’un rouge vif fait irruption, et soudain, c’est toute une histoire de passions, peut-être de colère, ou bien quelqu’un est véritablement passionné par quelque chose.
Idem pour les lumières et les ombres. Il y a ces ombres nettes et dures qui pourraient nous faire penser que quelqu’un traverse une période difficile, tandis qu’une lumière douce et diffuse pourrait nous faire sentir que tout est dans le meilleur des mondes possibles.
D’abord le scénario
Le scénario, qui sert de fondement à notre odyssée visuelle, offre une opportunité unique d’introduire le symbolisme et la métaphore au cœur même du récit. C’est dans l’élaboration minutieuse des accessoires, des lieux, et même du jeu des lumières que nous trouvons des idées pour transmuter les émotions de nos personnages en un langage visible, et pas seulement audible. Et il est de même pour nos thèmes.
Imaginons, si on veut, une séquence où notre héros, rongé par la culpabilité, se trouve sous un arbre solitaire et mort. Cet arbre, aux branches contorsionnées, s’étirant vers un ciel lourd d’une tempête imminente, n’est pas simplement la didascalie de la scène.
Le scénario fait plus que situer notre personnage dans un endroit singulier ; il établit des parallèles entre les branches tortueuses, les nuages menaçants au-dessus, et la tourmente intérieure de l’âme de notre personnage, juxtaposant son trouble intérieur à la désolation du paysage. Les cinéastes vont souvent au-delà de simples symboles pour créer des espaces chargés de métaphores. Un couloir sinueux s’interprète comme la quête hirsute d’un personnage pour trouver son chemin ; une vaste étendue désertique capture la solitude et l’isolement. Ces espaces ne sont plus seulement un décor ; ils insufflent la vie dans le récit. Ils rehaussent le parcours héroïque et sondent les thèmes chers à l’autrice, à l’auteur, au cinéaste. La force des symboles et des métaphores dépasse la simple communication de l’indicible ; ils évoquent un sentiment d’universalité.
Bien que la signification exacte d’un symbole puisse varier d’une culture à l’autre, une colombe peut symboliser la paix dans une culture et la renaissance dans une autre, les émotions qu’il évoque touchent généralement à une échelle profondément humaine. Une fleur fanée, quel que soit son contexte culturel, signale le déclin et la perte. Ce sont des émotions et des sensations avec lesquelles nombre d’entre nous pouvons nous identifier.
Cette compréhension commune encourage le lecteur/spectateur à ressentir ce qu’éprouve les personnages dans les situations dans lesquelles ils sont jetés et à comprendre et peut-être même à s’engager personnellement avec les thèmes convoqués dans le récit. Bien sûr, l’art du symbolisme et de la métaphore devient sublime lorsqu’il est manié avec la précision d’un chirurgien plutôt qu’avec la force d’un marteau-piqueur.
Saturer une scène de symboles, c’est risquer d’ensevelir le récit sous une avalanche de sens. L’artisanat exige un œil averti pour le détail, un choix qui rehausse le conte et les aventures de ses personnages. C’est dans l’élégance d’un objet solitaire, le choix délibéré des couleurs, que réside le véritable pouvoir. Cela surpasse grandement la cacophonie des symboles explicites. L’absence communique souvent bien mieux que la présence.
Rappelons-nous ce moment sublime dans Citizen Kane, lorsque Charles Foster Kane rend son dernier souffle avec Rosebud sur les lèvres, tenant une boule à neige qui abrite une petite maison à l’intérieur. De prime abord, cette boule n’est qu’un bibelot ordinaire. Pourtant, associée aux échos de la jeunesse de Kane et de l’innocence perdue, elle devient le symbole d’un désir secret pour une époque de simplicité.
Cette scène, libérée du poids d’un discours explicite, communique sur l’être même de Kane et la nature éphémère d’une joie perdue avec une éloquence que les mots pourraient à peine atteindre.
Ensuite l’évolution des personnages
Le symbolisme et tout ce qui s’en rapproche, voyez-vous, ne sont pas de simples ornements dans un récit ; ils ajoutent aussi un peu de sel à l’histoire quand ils soulignent comment les personnages changent et grandissent au fil de leurs expériences ! Ce sont les messages secrets griffonnés entre les lignes, une communication non verbale qui recherche une certaine complicité entre le symbole ou le signe et le lecteur/spectateur. Certes, c’est très sujet à interprétation car les pensées et les significations ne sont pas immédiatement accessibles.
Dans le panthéon des chefs-d’œuvre, Le Labyrinthe de Pan de Guillermo del Toro se démarque comme une étude sérieuse de la dialectique entre le fantastique et le réel. L’arrière-plan en est le fond désolé de l’après-guerre civile espagnole.
Ce discours explore la manière assez compliquée dont les signes et symboles se répondent dans la narration. En particulier ceux qui concernent le labyrinthe et les entités mythologiques qu’il renferme. Ces éléments ne sont pas de simples envolées fantastiques ; plutôt, ils fonctionnent comme des ouvertures sur l’univers intérieur de Ofelia appuyant sur sa traversée psychologique à travers les paysages austères de son environnement.
Dans Le Labyrinthe de Pan, le labyrinthe n’est pas simplement une œuvre architecturale, une construction corporelle à travers laquelle Ofelia doit s’orienter ; c’est une épreuve manifeste posée devant elle.
Pourtant, Guillermo del Toro, avec son habileté artistique, transforme cette étendue concrète en une allégorie du sanctuaire intérieur de Ofelia. Ces circonvolutions du labyrinthe fonctionne en effet comme un écho de la psyché de Ofelia. Carl Gustav Jung, Joseph Campbell ne cessent d’en parler : ici se nourrissent les appréhensions, les aspirations et les rêveries de Ofelia.
Ce labyrinthe se matérialise comme un domaine où les duretés du monde tangible, de la réalité extérieure, convergent avec les espaces infinis de la fantaisie et de l’optimisme. Del Toro grave dans le narratif une cohérence entre la réalité et la fantaisie car le labyrinthe cesse d’être simplement un lieu mais évolue en un symbole qui interroge l’interaction entre eux. C’est une espèce de négociation permanente entre l’externe et l’interne.
Après la guerre civile, l’Espagne gît en ruines. Les âmes de son peuple sont lourdes de mélancolie, de l’absence des êtres aimés et de la barbarie que le conflit fait naître. Cela évoque une symphonie funèbre de souffrances intimes et collectives. C’est contre cette sombre toile de fond que nous découvrons Ofelia. Elle est une jeune fille dont la vie a été bouleversée par le chaos et la dureté d’une nouvelle réalité sous un régime autoritaire.
Cependant, au milieu de la désolation de son monde, elle découvre une oasis : un labyrinthe qui se dresse comme un témoignage d’espérance et de résistance de l’esprit humain à l’adversité.
Ce récit nous immerge au cœur des ténèbres pour n’y trouver la lumière que dans les endroits les plus surprenants. L’errance de Ofelia dans le labyrinthe n’est pas simplement une échappatoire. Del Toro explore les dualités qui définissent notre existence : l’innocence et la corruption, la réalité et l’imaginaire, le tangible et l’éthéré.
En explorant les méandres du labyrinthe, Ofelia découvre que celui-ci déborde ses frontières matérielles pour se transformer en un refuge symbolique. Dans ce havre de paix, la pureté de l’enfance se dresse en une résistance face aux ténèbres de l’âge adulte et aux fantômes persistants du conflit. Ce sanctuaire métaphorique devient ainsi le théâtre d’une lutte intérieure entre l’innocence et la dure réalité du monde extérieur.
Le labyrinthe, avec ses pierres antiques murmurant les secrets d’une époque révolue, sert de pont entre deux mondes. C’est un lieu suspendu dans le temps, épargné par les forces extérieures qui cherchent à imposer l’ordre et la conformité. Ici, Ofelia est libre de rêver, d’imaginer un monde différent de celui qui lui a été imposé.
C’est un espace où le fantastique devient palpable, où des créatures mythiques guident ses pas, et où les quêtes ne mettent pas seulement à l’épreuve son courage, mais aussi son cœur. Cependant, la véritable raison d’être du labyrinthe réside dans sa capacité à décrire notre propre tourment intérieur et nos propres luttes.
Pour Ofelia, les monstres qu’elle rencontre ne sont pas seulement les êtres fantastiques qui errent dans les profondeurs du labyrinthe, mais aussi les horreurs bien réelles d’un monde déchiré par la guerre. Ces rencontres symbolisent sa lutte pour préserver son innocence face à une réalité qui cherche à la lui ravir. Le labyrinthe devient ainsi le lieu de sa transformation, un lieu où la pureté de son esprit est à la fois mise à l’épreuve et affirmée.
En suivant les traces de Claude Autant-Lara, si habile à hybrider des récits complexes d’émotions humaines sur la toile de fond des horreurs historiques, le labyrinthe dans le récit de Ofelia se révèle bien plus qu’un simple lieu physique. Il se présente comme une véritable œuvre d’art où lumière et obscurité, désespoir et espoir, se saisissent avec une rare vivacité. À la manière de Orson Welles, qui excellait dans l’utilisation de la narration cinématographique pour explorer les tréfonds de l’âme humaine, ce labyrinthe constitue un espace narratif propice à l’exploration de la nature profonde de l’endurance humaine.
Il nous invite à découvrir la beauté secrète qui réside dans les ruines. Nous participons à la manifestation du pouvoir imperturbable de l’imagination humaine, qui s’élève sans cesse vers les sommets et qui dépasse les entraves de la réalité cherchant à la restreindre.
Le parcours à travers le labyrinthe sert de réflexion profonde sur l’essence de l’humanité. Il nous rappelle que chaque individu abrite un havre personnel, un dédale construit par nos propres pensées et expériences et qui offre un refuge contre les bourrasques de la vie.
Pour Ofelia, le labyrinthe symbolise un refuge et un monde de possibles. En s’y réfugiant, elle peut momentanément oublier le poids de la réalité et retrouver ainsi la liberté de respirer et d’imaginer. Cette parenthèse enchantée lui donne le courage d’affronter la vérité de son existence avec une nouvelle énergie. Cette exploration du labyrinthe en tant qu’allégorie de la condition humaine nous invite à pénétrer dans nos propres sanctuaires intérieurs, encourageant l’introspection et la découverte de soi.
